Film Visti

I CENTO PASSI - Marco Tullio Giordana

2009-06-13T18:50:00.005+02:00

Ci sono storie che devono essere raccontate, non importa attraverso quale mezzo, ma vanno raccontate, perché i loro protagonisti e le loro azioni non devono essere dimenticati. Una di queste storie è quella di Peppino Impastatoche Marco Tullio Giordana ci presenta ne I Cento Passi.
l film racconta la vera storia di Giuseppe Impastato, detto Peppino, nato a Cinisi, Sicilia a soli "100 passi" dal boss della mafia Tano Badalamenti. Fervente antimafioso, Impastato, fu ucciso dalla mafia lo stesso giorno in cui fu trovato il cadavere di Moro. Dapprima la sua morte fu liquidata come un suicidio e relegata in brevi trafiletti. Solo dopo molti anni viene condannato all'ergastolo come mandante del suo assassinio il boss Gaetano Badalamenti.
Marco Tullio Giordana ricostruisce ne "I cento passi" la sua vita di giovane militante politico che attraverso Radio Aut (radio libera da lui fondata) conduce la sua lotta contro la Mafia.
La forza del film sta nella bravura di Giordana sta nel raccontare la vita di Peppino senza scadere in macchiette folkloristiche e digressioni didattiche, ma in maniera corretta e misurata raccontandoci le speranze e i sogni di chi lottava per i propri ideali, senza rendersi conto dell'importanza dei suo gesti. Rimane da brividi la scena finale dei funerali dell protagonista, seguiti da 1500 amici e compagni di lotta, sulle note struggenti di "A whiter shade of pale" dei Procol Harum.
E' un film da vedere, da mostrare nelle scuole, non solo per omaggiare un eroe italiano, ma anche per capire quale sia il vero senso della politica, non una lotta per il potere, ma un impegno per migliorare il proprio mondo.

Anno di pubblicazione: 2000
Interpreti:

Luigi Lo Cascio

Luigi Maria Burruano

Lucia Sardo

Paolo Briguglia

Tony Sperandeo

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Guarda la scena finale del film

MY FAIR LADY - George Cukor

2009-02-15T00:12:00.004+01:00

Il tema dell'”eroe contadino” è ricorrente e sfruttato a piene mani nella letteratura mondiale, sia che si tratti dell'impavido povero che si trasforma in cavaliere, sia della pastorella che si tramuta in principessa.
In My fair lady tocca a una fioraia dei ceti cittadini più bassi elevarsi al rango di gran signora. Di per sé non sarebbe nemmeno una storia così interessante se non fosse che alla fine, di tutte le fatiche e le vittorie vissute, resta ciò che davvero rende interessanti i due protagonisti, cioè il desiderio di cogliere l'unica vera vittoria che può dare ad essi la felicità, cioè, ovviamente, l'amore e l'affetto reciproco.
Tuttavia c'è ancora dell'altro, My fair lady è una riflessione, per quanto in chiave ironica, sul rapporto fra le varie classi sociali e sulla ricerca della felicità da parte di entrambe. Logicamente si suppone che i ricchi siano molto più vicini dei poveri a una simile conquista ma Cukor sembrerebbe tentare di instillarci quanto meno un dubbio in merito. Osservando infatti l'allegria scriteriata del padre sciupone di Eliza, senza un soldo ma sempre pronto alla risata e soprattutto libero come l'aria, si ha la netta sensazione che viva una vita di gran lunga più soddisfacente di quella dei tanti aristocratici ingessati che passano noiosamente il tempo guardando le corse dei cavalli e gli assurdi vestiti delle signore.
Higgins, che fa la parte del demiurgo, trasforma padre e figlia in perfetti signori, con l'intento di migliorarne la vita ma in realtà ne aumenta solo il tenore, a scapito proprio della libertà, di cui prima, seppur nella loro semplicità, godevano. Dopo la trasformazione, entrambi finiscono col venire ingabbiati, incastrati nel meccanismo. Solo l'amore e la fiducia fra gli amanti potrà ridare ad essi ciò che avevano perduto. L'amore come elemento base, unico ingrediente necessario per realizzare veramente le nostre vite.

Anno di pubblicazione: 1964
Interpreti:

Audrey Hepburn

Rex Harrison

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Ulteriori informazioni sul musical teatrale My Fair Lady
Ulteriori informazioni sulla commedia teatrale Pigmalione da cui è tratto il film

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MARY POPPINS - Robert Stevenson

2009-01-07T16:56:00.009+01:00

Un classico senza tempo è tale quando lo si può apprezzare in qualsiasi momento ed età. Questo film ne è un esempio. Stupisce sempre nelle opere Disney la capacità di creare atmosfere fiabesche, anche quando a recitare ci sono attori in carne e ossa. Colpisce anche l'intento moralista, sempre presente ma mai troppo evidente per infastidire. Come la critica nei confronti dei genitori “moderni”, in particolare le madri, le quali, totalmente assorbite dal proprio desiderio di emancipazione, si dimenticano dei propri figli. Ma anche dei padri, troppo intenti nel proprio lavoro, più rivolti al tentativo di arricchire che a mantenere semplicemente la famiglia.
La semplicità sarebbe invece la chiave di volta dei genitori adottivi dei due piccoli Banks, Mary Poppins, appunto e lo spazzacamino Bert, i quali vivono la vita da una prospettiva molto vicina a quella infantile. Si tratta di una esortazione ad affrontare la propria esistenza sforzandosi di cogliere il lato positivo in ogni cosa, quel “poco di zucchero” che ispira una delle tante canzoni presenti. E` questo l'aspetto che rende questo film buono per tutte le stagioni.

Anno di pubblicazione: 1964
Interpreti:

Julie Andrews

Dick van Dyke

David Tomlinson

Glynis Johns

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Ulteriori informazioni sull'autrice Pamela Lyndon Travers dal cui romanzo è stato tratto il film
Ulteriori informazioni sui compositori Richard Sherman e Robert Sherman

NESSUNA VERITA` - Ridley Scott

2008-12-15T23:50:00.003+01:00

L'ultima fatica di Ridley Scott non è certo un capolavoro, tuttavia non lascia insoddisfatti. Senza mai raggiungere l'eccellenza, si mantiene comunque su buoni livelli in tutti i reparti.
Tratto dal libro del columnist David Ignatius, è ineccepibile dal punto vista tecnico (cosa che si darebbe per scontata visti i budget a disposizione ma che è giusto sottolineare, dal momento che c'è chi riesce a fare delle bischerate pur con un sacco di soldi a disposizione), racconta una storia molto attuale con toni drammatici, valide scene d'azione e il giusto grado di suspence. Il trittico Scott-DiCaprio-Crowe ha il profumo del boccone succulento ed è così molto facile farsi tirare dentro il film e godersi una pellicola che, anche se al primo impatto ha tutto l'aspetto della solita “americanata”, sa tuttavia offrire temi interessanti e validi spunti di riflessione.
In Nessuna Verità viene messo in risalto il contrasto stridente fra due mondi distanti che si scontrano, che non si capiscono ma che hanno bisogno l'uno dell'altro. Una difficile convivenza, che avrebbe bisogno di fiducia reciproca per diventare stabile ma che le troppe differenze non aiutano a realizzare.
Ciò che viene suggerito è il rapporto fra la crescita culturale di un individuo e di un'intera società. Da una parte il medio oriente, mondo antico, che fa della propria storia la propria forza, solidi principi, tradizioni secolari su cui si basa la propria stabilità, il proprio equilibrio, esattamente come l'uomo maturo, giunto a una posizione in cui non è ancora anziano, non è ancora arrivato ma comincia a sentire la forza cagionata dalla propria ormai considerevole esperienza, una consapevolezza di sé che gli dona una certa sicurezza e l'orgoglio di colui che fin lì c'è arrivato. L'altra faccia della medaglia è la naturale diffidenza verso il nuovo, lo sconosciuto, ciò che avanza, che si presenta alla porta. Può rappresentare una sfida o una minaccia, molto dipende da come esso si presenta.
Questa è la gioventù, le nuove leve, coloro che hanno energia da vendere e tanta voglia di dimostrare. La giovinezza dona ad essi una forza che per il maturo comincia a diventare un ricordo. Si crea il cosiddetto scontro generazionale, che da sempre anima i rapporti padre -figlio.
L'America è ovviamente la forza fresca che si propone al mondo come nuovo interprete delle sorti dell'umana commedia e la sua irruenza, la sua voglia di imporsi, di manifestarsi, la porta inevitabilmente a imperversare dovunque lo ritenga utile. Di conseguenza la porta anche a scontrarsi con chi c'era prima, con chi pretende il rispetto dell'anziano ma non ha la forza per ottenerlo.
La soluzione è semplice a dirsi ma non a farsi. Il rispetto del giovane nei confronti del vecchio, la comprensione del giovane da parte del vecchio, è un binomio difficile da coniugare ma che rappresenta l'unica strada per una pacifica convivenza.

Anno di pubblicazione: 2008
Interpreti:

Leonardo DiCaprio

Russel Crowe

Mark Strong

Golshifteh Farahani

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LA MALEDIZIONE DELLA PRIMA LUNA - Gore Verbinski

2008-12-11T23:15:00.006+01:00

Tanto bello è questo film tanto brutti sono i suoi seguiti, sui quali non mi soffermerò.
Grazie a questo film e a Master & Commander il genere delle avventure in mare ha ripreso nuovo slancio. In particolare La maledizione della prima luna (un premio speciale per lo slancio di fantasia nel tradurre il titolo originale) aggiunge un tono divertente che ben si adatta all'ambientazione e che a molti ha ricordato il bellissimo Monkey Island.
Molti sono gli ingredienti che rendono riuscito questo film. Tanto per cominciare la trama, che riesce a mettere insieme praticamente tutti i temi più classici del genere senza per questo portare confusione in chi assiste. C'è davvero tutto: i pirati, ovviamente, la nave fantasma, la marina reale, il tesoro, i Caraibi. E poi ci sono i personaggi: l'eroe, la bella, il capitano malvagio, l'ufficiale inflessibile. Chi fa la parte del leone è però il capitano Jack Sparrow (“mi chiamo Guybrush Threepwood, un temibile pirata!”, ops! Scusate, stavo facendo confusione...), uno di quei personaggi che “spacca”, nel senso che conquista subito la platea e non si fa dimenticare nemmeno una volta usciti dalla sala cinematografica. Dopotutto non potrebbe essere altrimenti quando, fin nelle prime scene, si presenta al molo di Port Royal scendendo con tutta la nonchalance di cui è capace da una nave ormai praticamente affondata per tentare poco dopo e con un'immensa faccia tosta di rubarne nientemeno una della flotta britannica.
Tutto il pacchetto funziona a meraviglia: i personaggi sono convincenti, la trama scorre veloce, con il giusto mix di azione, mistero e intrigo e il lieto fine corona una storia ben confezionata. Di certo buona parte del merito va a un Johnny Depp mattatore, evidentemente a suo agio nei panni del pirata strafottente ma ciascun attore ha saputo dare il proprio contributo con efficacia, ben diretti da Gore Verbinski. Film da vedere con tutta la famiglia, non troppo violento, non troppo mieloso, qualche brivido e tante risate.

Anno di pubblicazione: 2003
Interpreti:

Johnny Depp

Geoffrey Rush

Orlando Bloom

Keira Knightley

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IL PADRINO Parte II - Francis Ford Coppola

2008-12-09T22:51:00.004+01:00

Per ragioni principalmente commerciali, moltissimi registi, in seguito al successo ottenuto con un loro lavoro, si cimentano nella produzione di un seguito, nella speranza di bissare gli incassi.
La storia insegna che questa operazione riesce raramente e solo i fan più incalliti “tengono duro”, sorbendosi anche l'immancabile terzo episodio che generalmente conclude la cosiddetta trilogia.
Nel caso del Padrino parte 2, l'intento riesce discretamente, anche se non raggiunge i livelli di altri più riusciti sequel. Il seguito proposto da Coppola riprende le fila del discorso lasciato nel primo episodio e svolge gli avvenimenti successivi, presentando allo stesso tempo un parallelo con quello che si potrebbe definire un “prequel”, ovvero la storia di don Vito Corleone ai tempi della sua giovinezza. Spetta a De Niro questa volta indossare i panni del decano della famiglia, compito non facile visto l'oscar ottenuto da Marlon Brando per lo stesso ruolo. Eppure anche il vecchio Bob (che allora era molto giovane) riesce nell'impresa. Ancora a bocca asciutta Al Pacino che pure lo meriterebbe ma che si deve accontentare delle nomination.
L'opera, come la precedente, resta un piacere per gli occhi, per la bellezza delle scene, per le performance degli attori. La trama stenta invece a decollare, afflitta da una lentezza che porta lo spettatore a stupirsi del fatto che, giunti alla fine del primo tempo, si sia ancora appunto al primo tempo. Probabilmente a salvare capra e cavoli è proprio il flashback che è invece davvero interessante, ricco di spunti e con la stessa atmosfera drammatica che già si respirava nel primo episodio. La storia “attuale” invece non aggiunge un granché a quanto già visto, si limita a seguire la storia del figlio del grande boss, Micheal Corleone, sempre più prigioniero del proprio ruolo, sempre più isolato e fautore egli stesso della distruzione della propria famiglia, bene ultimo nella concezione mafiosa che qui invece finisce col disgregarsi.
Molto interessante il personaggio della moglie Kay, interpretata da un'appassionata Diane Keaton, una figura apparentemente secondaria che si rivela invece la chiave di volta della rovina del padrino. E` lei infatti l'unica vera ribelle che tenta di liberarsi dai tentacoli del boss. Il suo dramma è quello di farlo quando ormai è troppo tardi, la sua colpa quella di aver chiuso gli occhi di fronte all'evidenza, sedotta dalle agiatezze che la vita criminale le aveva regalato, incapace di rendersi conto che la libertà era l'unico bene di cui avrebbe avuto bisogno ma che gli sarebbe stato per sempre negato. Facile immaginare che Coppola abbia voluto impersonificare in questo personaggio l'America tutta, complice degli apparentemente convenienti traffici che la mafia offriva, ma cieca di fronte alle catene che questa le avvolgeva inevitabilmente intorno.

Anno di pubblicazione: 1974
Interpreti:

Al Pacino

Robert Duvall

Diane Keaton

Robert De Niro

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MASTER AND COMMANDER: SFIDA AI CONFINI DEL MARE - Peter Weir

2008-11-17T22:43:00.006+01:00

Finalmente chi ama le avventure in mare a bordo di velieri splendenti può tornare a sorridere. Dimostrando che il genere è tutto fuorché passato di moda, Peter Weir sforna un pezzo di grande cinema, ribadendo una volta di più che non sono i generi o le ambientazioni a diventare obsoleti ma solo i modi con cui si raccontano le storie.
Basandosi sui romanzi di Patrick O'Brian, Weir mette in campo tutta la propria abilità e i mezzi di Hollywood per produrre una pellicola spettacolare, avvincente, ambientata negli spazi sconfinati dell'oceano e in quelli angusti di una nave da guerra del primo ottocento.
Protagonista dell'avventura è Jack Aubrey (nei cui panni troviamo un Russell Crowe perfettamente a proprio agio) il quale, accompagnato dall'inseparabile dottor Maturin (Paul Bettany, efficace controparte), dà la caccia a un'agguerrita imbarcazione francese, la quale gli darà filo da torcere per tutta la durata del racconto.
Quello del fortunato capitano di corsa non è però solo un viaggio avventuroso ma anche un percorso di vita. In un ambiente così piccolo come quello di una nave, unico luogo sicuro nel mezzo della capricciosa moltitudine del mare, ogni sensazione, ogni esperienza viene portata all'estremo. Ed ecco, anche un'amicizia duratura può essere messa a dura prova, così come la propria autorità di comando. Atti di eroismo e di coraggio si susseguono, momenti di paura e di pericolo, estremi che emergono in un ambiente estremo.
Il mare catalizza da sempre l'umano pensiero. Al di là delle scorribande per la conquista di un bottino, resta sempre il mistero di un ambiente sconfinato nel quale anche gli uomini più potenti diventano piccoli. Si prova il bisogno di fermarsi, riflettere, tentare di capire il mare, fino, se necessario, entrare in contatto con esso, divertirsi con esso, giocarci come si può giocare con una tigre.
E' questo il fascino che noi proviamo nei suoi confronti, quello di una bestia sanguinaria, spietata e bellissima, per la quale proviamo attrazione e paura allo stesso tempo. Una sorta di danza, dove solo i ballerini più abili ed esperti possono tentare le evoluzioni più splendide e gratificanti, senza cadere. Ed è importante non cadere, perdere il controllo significa consegnarsi nelle sue mani e il mare, si sa, non perdona.

Anno di pubblicazione: 2003
Interpreti:

Russell Crowe

Paul Bettany

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Leggi la nostra recensione sul primo libro della serie di Patrick O'Brian, Primo comando

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L'ULTIMO RE DI SCOZIA - Kevin MacDonald

2008-11-03T23:19:00.005+01:00

Accidenti, che angoscia che si prova guardando questo film. Sentirsi completamente in balia di qualcun altro, incapaci di contrastarne le azioni, di prevederne le mosse, di sfuggire alla sua presa.
L'incontenibile Idi Amin, dittatore dell'Uganda, interpretato da un convincente Forest Whitaker, che ha vinto un oscar per questo ruolo, ha davvero una doppia anima. Con una mano regala pane e carezze, con l'altra diffonde violenza e terrore. E il dottore in erba Nicholas Garrigan, il cui volto è prestato da James McAvoy, ne subisce appieno l'impetuoso carattere, passando da semplice amico a medico personale a consigliere politico. Ma quando un uomo, sulla spinta del proprio carisma e della propria determinazione, conquista il comando di una nazione allo sbando, promettendo giorni migliori e si ritrova poi a difendere la propria stessa posizione sotto gli attacchi dello spionaggio e dei poteri stranieri, allora non esistono più regole ma solo la sopravvivenza. Ed ecco che non ti puoi fidare più di nessuno, la paranoia si impadronisce di te e tutti coloro che ti circondano diventano nemici, anche solo per un vago sospetto. E` l'inizio della fine, si diventa vittime di se stessi, distrutti dalle proprie ansie e paure.
Kevin MacDonald vuole dare un messaggio che va oltre la semplice storia personale. Qui si parla dell'Africa, della sua anima tormentata, del desiderio di rinascere, di trovare la propria strada, il proprio posto nel mondo ma che inevitabilmente si trova circondata da sciacalli ai quali non sa opporre resistenza perché gli manca una spinta unitaria, uno slancio collettivo che le permetterebbe di compiere il grande balzo. E il bravo dottorino rappresenta tutti coloro che amano l'Africa, che vorrebbero aiutarla ma che non sanno come farlo. La realtà è che loro stessi non la conoscono, ne sono affascinati ma non sanno esattamente cosa sia, un continente in gran parte ancora selvaggio, materia grezza da plasmare ma proprio per questo irruenta, umorale, imprevedibile e violenta. Quando lo capiamo ne proviamo paura e ce ne allontaniamo. E` un problema di comunicazione.
Noi che viviamo nei paesi che l'Africa l'hanno sfruttata e sfruttano ancora, che proprio per questo riconosciamo la rovina in cui l'abbiamo trascinata e vorremmo rimediare, dovremmo avere la maturità per capire che noi, per l'Africa, non possiamo fare niente altro che lasciarla in pace, permetterle di guardarsi, di capirsi e di uscire da sola dal suo dramma. E` la sua stessa natura a pretenderlo, a noi non resta che attendere, fino al giorni in cui potremo parlare con essa e chiederle perdono.

Anno di pubblicazione: 2006
Interpreti:

Forest Whitaker

James McAvoy

Kerry Washington

Gillian Anderson

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ED TV - Ron Howard

2008-11-03T21:55:00.004+01:00

Oggi come non mai i reality show sono un costante prodotto della televisione, ogni anno ricchi di novità, varianti sul tema, con un formato più o meno indovinato. Ron Howard ci propone il reality "definitivo", quello cioé che vede la vita quotidiana vera e propria al centro dello spettacolo e dell'interesse della gente. Niente isole, fattorie, ville o altri scenari fittizi, il protagonista è Ed, l'Uomo Qualunque, che vive in una casa qualsiasi, in una famiglia come tante altre, con un lavoro normale.
Perché mai un personaggio del genere dovrebbe essere interessante? La risposta è semplice: egli, proprio perché normale, è reale, vero, la vita che conduce non segue alcun copione, non è costretta all'interno di alcun recinto, ciò che avviene avviene perché Ed vive. Niente regole, se non quelle civili, niente copioni scritti da altri. Noi tutti possiamo immedesimarci in lui perché chiunque di noi potrebbe essere al suo posto.
E così la vita vissuta viene messa sullo stesso piano di una partita di calcio, dove tutti noi vorremmo essere protagonisti ma ci limitiamo ad osservare, appassionarci e possibilmente giudicare.
La grande ipocrisia viene a galla quando ciò che si vorrebbe non far vedere viene inevitabilmente scoperto ed ecco che tutti sono pronti allo scherno, a sbeffeggiare Ed per l'errore commesso, per il fallimento subito, per qualcosa che lo ha sorpreso o ingannato. Questo però non accade perché lo spettatore è crudele ma semplicemente perché non può fare a meno di esorcizzare la situazione che non vorrebbe accadesse a lui. Egli non commetterà mai l'errore che ha commesso Ed, dice a se stesso, non si sarebbe mai fatto scoprire, non si sarebbe mai fatto coprire di ridicolo. In realtà, nel proprio inconscio, egli sa benissimo che, al posto di Ed, si sarebbe comportato nello stesso modo e sarebbe caduto nel ridicolo esattamente come lui ma non può e non vuole ammetterlo.
Il danno però è ormai fatto. Le debolezze di Ed sono venute a galla e con esse quelle di tutti gli spettatori che lo stanno guardando, i quali, volenti o nolenti, dovranno fare i conti con questo nervo scoperto. Ad ognuno resta la scelta di come raccogliere i cocci, se ammettendo la propria debolezza e diventando quindi più forti e più maturi o rifiutando una verità che non si vuole accettare, chiudendosi in una convinzione ancor più finta e ipocrita.
In definitiva Ed TV è la ricerca della libertà, libertà da noi stessi, dai nostri stessi limiti e pregiudizi, dalla gabbia nella quale ci chiudiamo, spesso buttando via la chiave.

Anno di pubblicazione: 2003
Interpreti:

Matthew McConaughey

Jenna Elfman

Woody Harrelson

Ellen DeGeneres

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A BEAUTIFUL MIND - Ron Howard

2008-10-17T22:27:00.005+02:00

Questo film dà il meglio di sé quando lo si guarda per la prima volta. Si gode infatti del fattore sorpresa che dona alla già bella storia quel pizzico di ulteriore interesse, tale da renderlo davvero coinvolgente. All'inizio sembra di assistere alla classica spy story, il che lascia insinuare un po' di delusione, anche perché sa di deja-vu, con i soliti Russi nella parte dei cattivi e gli Americani paranoici che li vedono dappertutto.
In realtà la paranoia ha un ruolo centrale nello sviluppo della trama ma in un modo del tutto inaspettato. Ci verrà rivelato il grande tormento ma anche il grande genio di un uomo la cui vita sarà costellata di sofferenze ma la cui grande forza lo porterà a superare i tanti difficili momenti fino a una soddisfazione finale, ancor più bella perché realmente accaduta.
Ron Howard ci racconta con efficace abilità la storia di un uomo fuori del comune, impresa non facile data la tematica inusuale e tutto sommato poco adatta agli schemi cinematografici. Ne esce un film che lascia il segno, grazie anche, se non soprattutto, a un Russell Crowe sempre convincente, sempre in grado di offrire performance degne dell'oscar, coadiuvato da una Jennifer Connelly bella e brava e da una colonna sonora intrigante.

Anno di pubblicazione: 2001
Interpreti:

Russell Crowe

Jennifer Connelly

Ed Harris

Paul Bettany

Adam Goldberg

Christopher Plummer

Josh Lucas

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BLADE RUNNER - Ridley Scott

2008-10-07T00:23:00.006+02:00

Questo film ha saputo, come pochi altri, farsi largo nell'animo degli spettatori, fissando immagini e concetti destinati a durare nel tempo. Non è fedele al racconto di Philip Dick da cui prende spunto ma riesce a tradurne tutta l'inquietudine, lo smarrimento, la desolazione e la malinconia. Ridley Scott è stato maestro in questo, aggiungendo un proprio tocco personale a un testo già dotato di forte personalità.
L'atmosfera cupa, infelice, disperata di una Los Angeles prostrata da un'epoca oscura fa da cornice alle gesta di un gruppo di personaggi che, come fantasmi, si trascinano in una stanca sopravvivenza, fatta da una parte ancora di gesti quotidiani mantenuti più per abitudine che per vero piacere, dall'altra di una straordinaria ricerca di se stessi, che li porterà a una deludente scoperta.
Blade Runner è fatto di eroi in lacrime, ai quali è stato tolto tutto, anche la gioia di vivere, l'essere padroni di sé stessi e del proprio futuro. E' una fuga, costante e affannosa, nel tentativo di sfuggire a un destino crudele, nel quale non v'è altro se non un vuoto privo di significato, un'esistenza insulsa, come una trottola che gira su se stessa all'infinito, senza mai fermarsi, senza mai approdare a nulla.
Solo la morte, alla fine, può dare una speranza, la vera liberazione, la fuga da questa valle di lacrime nella quale ci arrabattiamo meschinamente.
Se l'aderenza non è perfetta con la storia, la linea di pensiero, quella sì, fra Dick e Scott coincide. Spietata, non lascia scampo, abbandonando lo spettatore a un senso di profonda malinconia ma anche a una riflessione necessaria che, in tempi così travagliati, non possiamo esimerci dal fare.

Anno di pubblicazione: 1982
Interpreti:

Harrison Ford

Rutger Hauer

Sean Young

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SFIDA SENZA REGOLE - Jon Avnet

2008-10-05T23:23:00.004+02:00

La cosa più antipatica che può capitare allo spettatore è quella di andare in sala già sapendo che tipo di film andrà a vedere. Non solo, dopo il primo quarto d'ora, sa già anche come andrà a finire. E questo non perché il film sia girato male, mal raccontato, noioso. Al contrario è fatto bene, ha un buon ritmo, tecnicamente ineccepibile ma finisce qui. E` manierismo allo stato puro, un semplice esercizio di stile con il quale viene presentata una storia come se ne sono già viste tante in passato e di cui si sa già tutto. Si conosce l'ambiente in cui la vicenda si svolge, si conoscono i personaggi, il loro modo di ragionare, di affrontare gli eventi, di conseguenza si conosce anche cosa essi faranno prima ancora che lo facciano. Persino la regia è prevedibile, poiché anch'essa segue dei cliché ormai talmente codificati che non possono più dare nulla di nuovo.
Ma forse è proprio questa l'intenzione, forse quello che Jon Avnet voleva era costruire un poliziesco in stile classico per permettere a due attori straordinari di farsi guardare nei loro ruoli migliori da un pubblico che li ama e li amerà sempre.
Ma è un peccato, un'occasione perduta. Pacino e De Niro sarebbero comunque stati eccezionali, qualunque fosse stata la storia, quindi perché sprecarli in un film insulso, fatto di temi visti e rivisti, la cui amarezza di fondo non riesce nemmeno più a rattristarci perché sa troppo di de ja vù? Non era necessario scrivere un plot che ricordasse gli scenari nei quali i nostri sono diventati celebri, soprattutto quando si tratta di una storia insipida e poco comunicativa. Sarebbe stato invece molto meglio sfruttare l'occasione per proporre qualcosa di gustoso, magari più intimista, anche una commedia sarebbe stata preferibile. Oppure, vada per il poliziesco ma, per la miseria, si poteva fare di meglio.
Resta il rammarico di non aver potuto assistere a un'opera d'arte completa, alla quale Al e Bob avrebbero potuto dare il suggello definitivo. Resta solo la performance di due grandi, unica cosa da salvare per un film che rimane una “pizza” in tutti i sensi. Se non fosse stato per loro, sarebbe passato nell'indifferenza totale.

Anno di pubblicazione: 2008
Interpreti:

Al Pacino

Robert De Niro

50 Cent

Carla Gugino

Brian Dennehy

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GOODBYE BAFANA - Bille August

2008-10-01T23:29:00.006+02:00

Quando i principi su cui si basa la propria esistenza sono fondati su convenzioni astratte e artificiose, create a tavolino per questioni di convenienza, tali principi sono destinati inevitabilmente a crollare. E` solo una questione di tempo, tanto più lungo quanto più ottuso è l'individuo che li ha adottati. Colui che invece è dotato di una curiosità sufficiente a dargli stimoli per ragionare e per trarre conclusioni sulla base dei dati oggettivi dei quali dispone e sui quali può applicare la logica, allora non avrà alcuna difficoltà a riconoscere l'effimera sostanza dei propri precedenti principi, poiché chi è intelligente, non fosse altro che per amore della propria intelligenza stessa, è necessariamente spinto a riconoscere l'evidenza dei fatti e a modificare così il proprio pensiero.
E` quello che accade a James Gregory, la guardia carceraria interpretata da un brillante Joseph Fiennes, il quale avrà il suo appuntamento con la storia nel momento in cui gli verrà assegnato il compito di sorvegliare con particolare “cura” un prigioniero speciale, ovvero il capo dei ribelli sudafricani Nelson Mandela.
Quella di Gregory è una parabola, il cui apice giunge nel momento in cui capisce che le sue convinzioni sulla legittimità dell'apartheid perdono consistenza a favore di un più patriottico bisogno di unità nazionale, raggiungibile solo attraverso il reciproco riconoscimento della propria intelligenza fra razze diverse. Riconoscimento che, nel momento in cui viene finalmente dichiarato, come una reazione a catena, porta al riconoscimento anche dei fondamentali diritti civili e soprattutto degli innegabili vantaggi che la cooperazione fra gli esseri umani può dare, contrariamente ai mille freni che il conflitto invece impone all'evoluzione dell'uomo.
Nelson Mandela, rappresentato con autorità da Dennis Haysbert, è stato sicuramente un personaggio chiave in questa lotta per la comprensione, fra i primi ad avere un pensiero chiaro sull'argomento, in grado appunto di comprendere le potenzialità di una alleanza e gli insanabili difetti di una contrapposizione, difetti peraltro palesati in tanti anni di apartheid.
Il merito di Bille August è senza dubbio quello di far risaltare l'inesorabilità della Storia, che, nel rispetto delle leggi sull'evoluzione, non può che calpestare le idee che non funzionano più, per privilegiare invece quelle destinate al successo. L'avventura sudafricana rappresenta un caso di studio per tutte le nazioni.

Anno di pubblicazione: 2007
Interpreti:

Joseph Fiennes

Dennis Haysbert

Diane Kruger

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KUNG FU PANDA - John Stevenson, Mark Osborne

2008-09-15T23:02:00.005+02:00

Arrivare al punto di piangere dal gran ridere significa raggiungere lo stadio finale del divertimento. E` quel che mi è successo, di conseguenza non posso che essere soddisfatto dei soldi spesi per il biglietto. Una sequenza come quella della sfida di Kung Fu fra Po e il suo maestro per conquistare l'ultimo raviolo al vapore è oltremisura esilarante e solo un autocontrollo recuperato in extremis mi ha impedito di alzarmi dalla poltrona per tenermi la pancia, disturbando così la visione altrui.
Il simpaticissimo panda protagonista della storia conquista tutti fin dal primo minuto ed è inevitabile perché è facile riconoscersi in esso. Tutti abbiamo un sogno e in tanti non riusciamo a realizzarlo o comunque sappiamo che difficilmente potremo, legati come siamo alla nostra vita “normale”. Ovviamente il nostro eroe è pronto a smentirci, spronandoci allo stesso tempo a non smettere di credere in noi stessi e nei nostri desideri.
A pensarci bene non c'è nulla di nuovo in una storia come questa, esempi di questo tipo se ne trovano a bizzeffe nel cinema e nella letteratura di tutti i tempi. L'ambientazione orientale dona un tocco di originalità, quanto mai puntuale visto il ricordo ancora fresco delle recenti Olimpiadi cinesi. Tuttavia i personaggi e le gag in cui sono coinvolti sono così ben riusciti che il film diverte a prescindere ed è questo che più conta.
Gli eventi si susseguono con un ritmo spedito, la narrazione è semplice e lineare, adatta anche ai più piccoli, i dialoghi hanno un taglio molto attuale, nonostante l'ambientazione antico-medievale che però non stonano affatto, soprattutto quando a parlare è il nostro tenerissimo panda, un personaggio molto moderno, nel linguaggio e negli atteggiamenti, in grado di proporre con leggerezza il classico tema dello scontro generazionale, dotato di quell'arma in più che, come ci suggerisce molto apertamente, è in tutti noi.
Da un punto di vista prettamente estetico, non si può restare indifferenti di fronte al grado di perfezione ormai raggiunto dalla grafica computerizzata. Chi ne fa uso a quei livelli deve essere a pieno titolo considerato un artista. Non si tratta più solo di raggiungere la precisione dei dettagli, la nitidezza dei fondali, la verosimiglianza dei colori e dei giochi di luci e ombre. Tutto questo è ormai acquisito. Ciò che davvero colpisce è la naturalezza dei personaggi, veri e propri attori consumati, in grado di regalare espressioni e gestualità degne di interpreti di alto rango. Un momento su tutti, il dialogo fra il maestro Shifu e l'anziana tartaruga all'ombra del pesco sacro: una recitazione da oscar.

Anno di pubblicazione: 2008
Interpreti:

Shifu

Tai Lung

Tigre

Scimmia

Vipera

Mantide

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IL PADRINO - Francis Ford Coppola

2008-09-09T23:30:00.005+02:00

Questo film viene generalmente considerato un capolavoro perché racchiude dentro di sé molti fattori di livello artistico eccezionale.
Prima di tutto c'è una storia che, a dispetto di quel che si potrebbe credere, non si limita al classico racconto di gangster sviluppato a suon di sparatorie. Qui di sparatorie non ce ne sono tante, la trama si affida soprattutto agli eventi e alle emozioni che essi suscitano. Il padrino sembra voler essere uno studio della società mafiosa. Coppola ci spiega qual è la mentalità mafiosa, come ragionano i suoi capi, da quali principi sono animati, perché si possono fare certe cose e non altre. Il tutto senza prendere posizione ma mantenendo un'obiettività che permette allo spettatore di assimilare gli avvenimenti, elaborarli e farsene un'idea propria.
Ne Il padrino non vengono emessi giudizi, la famiglia Corleone viene raccontata dal di dentro, permettendo a chiunque di coglierne i tratti essenziali, da quelli più simpatici a quelli più grotteschi finanche a quelli più truci e barbari. Emergono paradossi spiazzanti, di gente che si fa giustizia da sé o chiede ad altri di farla per loro, non per semplice sete di sangue o di vendetta ma perché esiste un cosiddetto “codice d'onore” che deve assolutamente essere rispettato altrimenti la propria vita e quella dei propri congiunti perderà valore. Eppure quelle stesse persone sono in grado di provare sentimenti tenerissimi, di creare legami profondi con i propri congiunti.
La figura del padrino è l'essenza di questi contrasti. Come un re taumaturgo, egli dispensa favori e consigli, governa la famiglia, ne dirige gli affari, segue i figli e poi i nipoti con l'affetto di un padre premuroso e di un nonno affettuoso. Con la stessa solerzia infligge sentenze e condanne a morte quando una mancata osservanza del codice lo esige. Codice peraltro non scritto ma tramandato nel tempo con l'esperienza e la parola.
Una struttura di questo tipo arriva da lontano e sa adattarsi a una società che cambia, società che la rifiuta perché va contro le sue regole. Ciò che emerge dal racconto di Coppola non è quindi una condanna o una esaltazione della mafia in quanto istituzione bensì lo scontro fra due istituzioni diverse. La società per così dire “legale” si impone e allora la mafia, che non riesce a sopraffarla, si adatta, ne diventa un parassita e ne succhia la linfa vitale, sviluppandosi come una sorta di mondo parallelo, sommerso. Il mondo emerso sa della sua esistenza e tenta di combatterlo ma senza troppa convinzione, sembra quasi sopportarne la presenza, convivere con esso, una sorta di guerra fredda.
L'arte di Coppola si esalta con prepotenza in questo film, fin dalle splendide sequenze iniziali del matrimonio, in grado di accompagnare fin da subito lo spettatore nell'atmosfera giusta.
E ovviamente il trasporto è più facile quando gli interpreti risultano convincenti, a cominciare da Marlon Brando, in grado di trasformare un personaggio romanzesco in vera e propria icona cinematografica. Su Al Pacino è superfluo dilungarsi, sebbene in questo film sia molto giovane, presenta tutte le caratteristiche dell'attore consumato, imponendosi con una personalità che diverrà consueta negli anni a venire.
Da non tralasciare le musiche di Nino Rota, anch'esse ormai parte dell'immaginario collettivo, una cosa questa, che, a parer mio, più di ogni altra celebra come capolavoro l'opera di un qualsiasi artista.
Si può affermare senza dubbio di trovarsi al cospetto di un grande classico del cinema internazionale.

Anno di pubblicazione: 1972
Interpreti:

Marlon Brando

Al Pacino

James Caan

Richard Castellano

Robert Duvall

Sterling Hayden

John Marley

Richard Conte

Diane Keaton

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MONSTERS & CO. - Pete Docter

2008-08-28T22:51:00.009+02:00

A dimostrazione del fatto che sono le idee a fare la differenza, questo film di animazione basa la propria struttura sulla storia e i personaggi. Niente da dire sotto l'aspetto tecnico, la qualità audio visiva di questa pellicola è di livello eccezionale ma non bastano dei bei disegni per raggiungere il successo.
Tutto prende spunto dalla geniale intuizione degli autori, i quali sostengono che esiste un mondo del tutto simile al nostro, non fosse altro che è popolato da esseri mostruosi o che almeno sono tali ai nostri occhi, dal momento che essi vivono una vita paragonabile alla nostra, nelle abitudini, nei problemi quotidiani. L'unica cosa che li rende davvero diversi da noi è il modo in cui essi riescono a procurarsi l'energia necessaria ad alimentare le loro città. Essi infatti si servono di un originale sistema di “porte dimensionali” grazie al quale accedere nel nostro mondo, in particolare nelle camerette dei bimbi più piccoli e spaventarli a morte con il loro mostruoso aspetto. Le urla di terrore dei piccoli verranno imbrigliate in apposite bombole dalle quali si ricaverà energia.
A un certo punto ovviamente qualcosa andrà storto ed ecco nascere l'avventura per i due simpatici e mostruosi protagonisti che li condurrà a un finale inaspettato.
Al di là del divertimento e delle gag proposte lungo tutto il film, questo cartone animato resta nella memoria per il messaggio che sa portare. Esso infatti propone in modo simpatico la cultura del diverso da noi, del punto di vista opposto, intento nobilitato dal tentativo di raggiungere i bambini, ai quali certo non sfugge la novità di un personaggio brutto o grottesco che si rivela tremendamente tenero, un essere di cui potersi fidare senza paura.
Da qui scaturisce la vera morale della fiaba, cioè la condanna del regime del terrore, tema attualissimo, che pretende di ottenere potere proprio attraverso la diffidenza, la paura del diverso, dimostrando invece che con il reciproco rispetto e infine affetto, si ottiene una migliore qualità della vita.
Non solo divertimento infantile quindi, ma materia di riflessione anche per i più grandi, aspetto interessante per un film targato Disney ma che di certo dalla collaborazione con la premiata ditta Pixar non può che trarre giovamento. Niente musiche mielose, niente scene da mille e una notte, bensì ritmo spumeggiante, battute al fulmicotone con un linguaggio spedito e ambientazioni ultramoderne e gustosissime “chicche” sparse un po' dappertutto, a cominciare dalle brillanti sigle di apertura e chiusura (c'è persino l'esilarante collezione degli “errori” di recitazione a fine pellicola, come se ci trovassimo di fronte ad attori in carne e ossa). Una bella differenza rispetto ai polpettoni del passato anche recente.

Anno di pubblicazione: 2001
Interpreti:

James P. "Sulley" Sullivan

Mike Wazowski

Boo/Mary

Randall Boggs

Henry J. Waternoose III

Celia

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DIE HARD - John McTiernan

2008-08-25T22:37:00.003+02:00

Se siete amanti intransigenti del cinema colto, lasciate perdere questo film.
Se invece cercate uno spettacolo di puro intrattenimento, ebbene godetevi questo otto volante cinematografico. E badate che questo non è un semplice action movie fatto di sparatorie, sangue e morti ammazzati. L'intento dichiarato è quello di esagerare e se a farlo ci sono i maestri assoluti dell'esagerazione, ovvero i cineasti hollywoodiani, allora potete star certi che andrete sul sicuro.
Die Hard è sempre sopra le righe, la storia, i personaggi, i dialoghi e lo scenario, tutto è urlato, mantenendo però una vena di ironia grazie alla quale il regista John McTiernan prende un po' in giro il genere, sebbene mai in modo irriverente ma anzi celebrandolo.
Ecco allora che l'eroe di turno John McClane, capace e smaliziato poliziotto di New York, sbruffone il giusto, impersonato da un efficacissimo Bruce Willis, si trova a Los Angeles a dover fare il cow-boy per necessità, glielo ricordano pure i suoi antagonisti e lui stesso cita altri film del filone “arrivano i nostri”, quasi come se non volesse ammettere che proprio lui sta vivendo un'avventura come quella dei suoi idoli.
Nonostante l'impronta ironica, però, il film mantiene sempre un livello di tensione altissimo, in primo luogo grazie al cattivo di turno, il terrorista Hans Gruber, freddo e spietato ma anche estremamente intelligente e machiavellico, interpretato alla perfezione da Alan Rickman, personaggio inquietante, i cui fini restano oscuri per gran parte del film, cosa che contribuisce a mantenere elevata l'attenzione del pubblico.
E poi ci sono gli immancabili effetti speciali su cui certo non si è fatta economia. Raffiche di mitra e deflagrazioni fanno tremare i muri, il palazzo nel quale si svolge tutta la vicenda diventa un colabrodo e pure gli elicotteri dell'FBI fanno una brutta fine.
Insomma, ci sono tutti gli ingredienti per un film divertente e spettacolare, come andare sulle montagne russe stando comodante seduti sul divano.

Anno di pubblicazione: 1988
Interpreti:

Bruce Willis

Alan Rickman

Bonnie Bedelia

Reginald VelJohnson

William Atherton

Paul Gleason

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IL SIGNORE DEGLI ANELLI – LA TRILOGIA - Peter Jackson

2008-08-18T23:44:00.010+02:00

Spesso si ha la sensazione, leggendo un libro, di assistere a un film. Credo dipenda dal fatto che le immagini, nel nostro mondo, condizionano pesantemente la nostra immaginazione, di conseguenza, mentre si descrive una scena, è facile immaginarla con dei bravi attori che la recitano sul grande schermo. Non è troppo difficile allora trasporre l'opera letteraria in opera cinematografica.
Probabilmente questa considerazione non vale allo stesso modo quando si parla di romanzi scritti in epoche in cui il cinema non esisteva affatto o non era ancora fenomeno di massa come al giorno d'oggi. Un tempo forse gli autori immaginavano i “propri” attori sul palco di un teatro, dove la messa in scena è completamente diversa. O forse non li immaginavano affatto, perché immersi in prima persona nel racconto, magari preda di una trance onirica.
Di certo, leggendo Tolkien, non ho avuto la sensazione di essere al cinema. E questa è forse la difficoltà più grande da superare, nel momento in cui si decide di portare su pellicola un'opera come la sua. Sono convinto infatti che le scelte più difficili per Jackson e compagni non siano state quelle relative agli innumerevoli effetti speciali, seppure impegnativi, alla scelta del cast o delle musiche. Credo invece che la scrittura della sceneggiatura sia stata l'impresa più ardua da superare.
E infatti è proprio su questo punto che si sono scatenati i dibattiti più aspri, dal momento che nessuno ha avuto nulla da ridire sulla spettacolarità delle scene, sulle atmosfere fiabesche, sulle emozioni che il film è in grado di comunicare. Ci sono molte differenze fra lo svolgersi della trama del libro e quella dei film, a volte si tratta di semplici variazioni sul tema, altre volte di tagli, altre ancora di vere e proprie invenzioni.
Da appassionato del grande scrittore inglese posso dire che probabilmente si poteva fare di meglio ma sicuramente si poteva fare di molto peggio. Al di là di tutte le critiche, quello che resta nello spettatore è l'incredibile senso del meraviglioso che viene restituito in egual misura anche nella trasposizione cinematografica. La trilogia del signore degli anelli non perde nulla della magia, delle atmosfere da sogno, della malinconia, delle gesta eroiche che si colgono fra le pagine del libro. In ogni singolo momento è evidente l'amore e il rispetto che Jackson e i suoi collaboratori nutrono per l'opera tolkieniana, lo si vede dall'incredibile cura dei dettagli, dal maniacale tentativo di dare vita al mondo e ai popoli descritti nel libro, restando il più possibile aderenti, se non alla trama, a tutta la struttura, immensa, messa in piedi da Tolkien.
Ne esce una Terra di Mezzo che vive di vita propria, dove l'esistenza delle meraviglie narrate non viene messa mai in discussione, dove la cosiddetta sospensione dell'incredulità è totale. Guardando questi film si viene letteralmente risucchiati nella mappa disegnata da Tolkien, quello che per anni tutti noi avevamo immaginato, qui prende forma, in modo convincente, sistematico. La Contea è la Contea, la terribile torre di Sauron è proprio quella, i Rohirrim sono davvero possenti ed orgogliosi e gli orchi tremendamente brutti e cattivi.
Chi non ha tremato quando i Cavalieri Neri inseguono senza tregua gli hobbit fuggiaschi, chi non ha trattenuto il fiato quando Gandalf affronta il terribile demone sul ponte di Khazad-Dûm, chi non ha avuto paura di fronte a un intero esercito di Uruk-Hai in pieno assetto di guerra o non ha urlato di speranza di fronte alla grande carica degli Eorlingas sui campi del Pelennor?
Il signore degli anelli è tutto questo e se Peter Jackson non amasse questo libro come lo amiamo tutti noi, non sarebbe riuscito a comunicare le emozioni che si provano guardando e riguardando questa grande opera cinematografica.

Anno di pubblicazione: 2001-2003
Interpreti:

Elijah Wood

Billy Boyd

Dominic Monaghan

Sean Astin

Ian McKellen

Ian Holm

Viggo Mortensen

Orlando Bloom

Liv Tyler

Christopher Lee

Cate Blanchett

Sean Bean

John Rhys-Davies

Andy Serkis

Bernard Hill

Brad Dourif

Hugo Weaving

Miranda Otto

Marton Csokas

Karl Urban

John Noble

David Wenham

Bruce Hopkins

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L'ASSASSINIO DI JESSE JAMES PER MANO DEL CODARDO ROBERT FORD - Andrew Dominick

2008-08-13T22:56:00.004+02:00

Questo è un western atipico. Sebbene contenga tutti i caratteri classici del genere (l'assalto al treno, le lunghe galoppate, le sparatorie) la loro funzione è più “ambientale”, una splendida cornice per una storia dai risvolti psicologici.
L'assassinio di Jesse James per mano del codardo Robert Ford è la storia di un eroe antieroe, forse uno degli esempi più calzanti che si possano trovare. Jesse James è un fuorilegge ma non deve essere confuso con Robin Hood. Questo è veramente cattivo, è spietato, è un assassino senza scrupoli e ruba per il proprio personale tornaconto. E` pure psicotico e quindi ancor più pericoloso perché imprevedibile. Brad Pitt si è calato nei suoi panni in modo eccezionale, davvero è spaventosa l'inquietudine che in certi momenti riesce a comunicare. Tutti coloro con cui ha a che fare sono succubi della sua straripante personalità. Lo stesso Jesse finirà col provare paura di se stesso, problema col quale dovrà scontrarsi.
Gli fa da contraltare un personaggio decisamente improbabile, Robert Ford, impersonato da un Casey Affleck tanto antipatico quanto efficace, un ragazzo che è preda di una vera e propria infatuazione per il bandito, vuole imitarlo, diventarne la spalla, se possibile morire per lui. Di certo anche lui non è del tutto sano di mente, è un frustrato, privo di fiducia in se stesso, che cerca disperatamente di conquistarsi un posto e la gloria.
Chi da questo film si aspetta la classica lotta tra bene e male a suon di pallottole in una strada polverosa resterà deluso. Non può esserci alcun duello quando non è chiaro da che parte sta il bene e da che parte sta il male. Ciò che resta davvero sono i dubbi. E` giusto provare adorazione per un assassino? E` giusto odiare chi tenta di toglierlo di mezzo? Perché un fuorilegge può diventare un eroe, cosa c'è di ammirevole in lui? Forse la libertà di cui gode? Egli è padrone del proprio destino e quindi veramente libero? E` davvero così?
La risposta non è semplice ma Andrew Dominik invita a riflettere. E lo fa raccontando una storia dal sapore amaro, fatta di ritmi lenti, di attese, di ansie e paure. Una storia dove il lato romantico del western classico viene messo da parte, niente tramonti dorati ma una luce sinistra che illumina le zone normalmente in ombra, quelle più scomode, che facciamo finta di non vedere ma che purtroppo non possiamo nascondere.

Anno di pubblicazione: 2007
Interpreti:

Brad Pitt

Casey Affleck

Sam Shepard

Mary-Louise Parker

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LA RICERCA DELLA FELICITA` - Gabriele Muccino

2008-08-06T23:24:00.006+02:00

Questo film dimostra chiaramente tutta la differenza esistente fra un'opera cinematografica e un “prodotto finito per l'intrattenimento cinematografico”. Un bravo regista è in grado di completare una pellicola di ottimo livello da un punto di vista artistico anche con mezzi limitati. Gli attori non saranno eccezionali, le scenografie mancheranno di realismo ma l'essenza artistica, se esiste, si percepisce comunque.
Ebbene, se allo stesso regista vengono dati i mezzi per esprimere il proprio lavoro al massimo delle sue capacità, allora la sua produzione artistica sarà completa, sarà appunto un perfetto prodotto finito per l'intrattenimento. Perché non dimentichiamo che qualunque forma d'arte e sottolineo qualunque (così che chi intende inorridire possa farlo con la giusta pressione sanguigna) non è davvero completa se non è in grado di intrattenere chi la contempla.
La ricerca della felicità è un film completo. Gabriele Muccino ci racconta una storia alla sua maniera, con dolcezza, con malinconia, con asprezza. Non si può restare indifferenti di fronte a un personaggio come Chris Gardner, colui che incarna il sogno americano, quello che qualcuno schifa perché lo considera qualcosa di troppo materialista, intravedendone solo il lato venale ma dimenticando che quel sogno è lo stesso di tutti coloro che lottano per avere la libertà di costruirsi il proprio futuro. Gardner lo fa con la dignità dell'uomo onesto, che intende guadagnarsi da vivere con il proprio lavoro, col proprio impegno, col proprio ingegno. E sarà una prova terribile, viste le tante avversità che dovrà affrontare. Non si può non fare il tifo per lui, soprattutto quando a calarsi nei suoi panni c'è un Will Smith in forma smagliante, da applausi.
Muccino gira un film all'americana: la metropoli, la società multirazziale, la sensazione di essere nell'ombelico del mondo. Ma lo fa senza il gigantismo americano, mantiene una dimensione umana, quotidiana, quasi minimalista ma imprescindibile, che deve necessariamente essere raccontata, altrimenti non si potrà capire fino in fondo l'entità dell'impresa del nostro eroe. E` proprio questo aspetto che permette a Muccino di toccare così facilmente le corde più intime di chi guarda. E` per questo che quando Gardner soffre, impreca, gioisce noi siamo lì a spronarlo, ad abbracciarlo, commossi da tanta tenacia. E` un eroe e non possiamo che essere al suo fianco.

Anno di pubblicazione: 2006
Interpreti:

Will Smith

Thandie Newton

Jaden Smith

Cecil Williams

Kurt Fuller

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Guarda l'intervista (in lingua originale) al personaggio Chris Gardner:

TUTTA LA VITA DAVANTI - Paolo Virzì

2008-08-05T22:33:00.006+02:00

Ecco a voi, signori, la Commedia all'Italiana. Ed è bello poterlo dire così a chiare lettere nonostante sia passato molto tempo dall'ultima volta che si è utilizzata questa definizione. Certo, molti potranno dire che ci sono altri film, recenti, che possono fregiarsi di questo “bollino” ma, per quanto riguarda la mia modesta esperienza, un esempio così lampante del genere risale a produzioni per così dire “antiche”.
La narrazione è di una freschezza, una vivacità che coinvolge lo spettatore fin dalle prime battute. Ottimo ritmo, trovate simpatiche ed esilaranti e soprattutto quel giusto mischiarsi di ironia e amarezza che denotano il nostro cinema migliore. La storia rappresenta lo spaccato della nostra società, in uno dei suoi momenti più attuali, quello dei famigerati call-center, in questo caso particolarmente estremo ma altrettanto reale. Ed è sconcertante come, da questo racconto, venga fuori così evidente la natura del nostro paese, infallibile nella sua capacità di far scaturire reazioni opposte come il riso e il pianto, l'allegria e la tristezza, la soddisfazione e la frustrazione, la gioia e la rabbia.
Il film di Virzì piace perché parla di noi e soprattutto ci rappresenta. Quelli là, sullo schermo, siamo noi, boia mondo, siamo proprio così ed è questo che ci fa sorridere e infastidisce allo stesso tempo. Il titolo lo riassume bene: Tutta la vita davanti, sembra un invito, una speranza, una spinta verso un radioso futuro che è lì a portata di mano. Ma di radioso c'è solo un effimero benessere, che dura il tempo di una collaborazione a progetto. Il futuro non è chiaro, nessuno pretende che esso sia già tracciato, sarebbe anzi un dramma, chi desidera seguire strade pianificate e obbligate? Il problema è che la strada non si intravede affatto, non si sa dove andare, si procede a tentoni, cercando di farsi largo in un mondo gommoso, restio ad accettare nuovi ospiti, nel quale ci si muove a fatica, invischiati in un'insipida brodaglia.
Tutta la vita davanti è il ritratto di un'Italia giovane e disorientata, che vuole emanciparsi ma allo stesso tempo ha bisogno di una guida che la sappia motivare, l'aiuti a scegliere. Forse è proprio la figura del mentore il grande assente del mondo attuale, o forse, più semplicemente, maestro e apprendista parlano lingue diverse o sono troppo lontani per poter comunicare. C'è uno scollamento fra le generazioni, probabilmente uno dei motivi per cui questo paese non riesce a crescere.

Anno di pubblicazione: 2008
Interpreti:

Isabella Ragonese

Sabrina Ferilli

Valerio Mastandrea

Massimo Ghini

Micaela Ramazzotti

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AMERICAN BEAUTY - Sam Mendes

2008-07-04T00:05:00.004+02:00

Geniale. Non vedo francamente quale altri aggettivi affibbiare a questo capolavoro. Come altro si potrebbe definire un film nel quale non si riesce a venirne a capo fino alla fine?
American Beauty è come una mosca fastidiosa che inseguiamo per tutta la casa, nel tentativo di ammazzarla, senza riuscire a prenderla e subendo infine la beffa, forse il sollievo, di vederla volare via dalla finestra.
Sam Mendes è quella mosca, vuol fare il brillante con una storia divertente e maliziosa che ci intriga ma che non prendiamo troppo sul serio, perché tanto sappiamo già come va a finire: questo qui è uno dei tanti che sa intrattenere ma è tutta roba già vista.
E invece, proprio quando credi di aver capito tutto, succede che il mondo si rovescia, le situazioni si scambiano, mentre stai per acchiappare la mosca, quella spicca il volo e sparisce.
America Beauty è un film grottesco e disturbante che ha il brutto vizio di sbatterci in faccia i nostri vizi, il principale dei quali è l'ipocrisia, verso gli altri e soprattutto verso noi stessi.
E` sconcertante scoprire quanto male riusciamo a farci senza tuttavia volerlo ammettere. Ci sono obiettivi ai quali non possiamo rinunciare, per i quali siamo disposti a tutto, siamo pronti al sacrificio, anche di ciò che di più caro dovremmo avere, cioè la nostra libertà. E` uno strazio senza fine, una volta entrati in questo vortice non si riesce più ad uscirne, il nostro status, qualunque esso sia, è troppo importante e va mantenuto, anche a costo di mentire non solo agli altri ma a noi stessi.
Alla fine non riusciamo più nemmeno noi a distinguere ciò che siamo veramente da ciò che vorremmo essere, alimentiamo un'immagine da proporre al mondo esterno, schiacciando la nostra vera personalità, quella che non ci soddisfa, in un angolo, ci fa ribrezzo, abbiamo paura di guardarla. E ci trasciniamo in questo mondo finto, ombre di noi stessi, eternamente insoddisfatti, languendo pateticamente.
Ma se solo riusciamo, anche solo per un momento, a interrompere la nostra corsa, a staccare la spina, mettere in pausa il nostro film personale, ci accorgeremmo di come tutto apparirebbe a colori più nitidi. Sarebbe come alzare un velo, un sacco di cose che si reputavano importanti se non fondamentali per la nostra esistenza, si scoprirebbe essere essere inutili, respireremmo aria nuova, ci sentiremmo più leggeri, più liberi appunto. E più felici.
Sembrerebbe una cosa facile ma non lo è. Il prezzo di questa felicità è la sincerità e la sincerità implica il prendere coscienza dei propri pregi e dei propri difetti. Ma purtroppo la nostra società non apprezza i difetti, essa pretende da noi di essere vincenti, sempre e comunque. E` una sfida difficile, forse impossibile, di fronte alla quale la maggior parte si spaventa, si scoraggia. Tuttavia la si vuole affrontare, allora ci si butta nella mischia e l'unico modo per riuscire a cavarsela è mentire. Così ritorniamo alla nostra vita finta e insoddisfacente.
C'è solo un modo per uscire da questo vortice: smettere di giocare. Ma questo significa uscire dal tavolo di gioco e non tutti sono disposti a rimanere soli pur di essere liberi. A meno che non si riesca a trovare qualcuno disposto ad accompagnarci. Chi ha il coraggio di farlo?

Anno di pubblicazione: 2000
Interpreti:

Kevin Spacey

Annette Bening

Ulteriori informazioni sul regista Sam Mendes
Ulteriori informazioni sullo sceneggiatore Alan Ball

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L’AMORE AI TEMPI DEL COLERA – Mike Newell

2008-06-28T19:23:00.007+02:00

Ho amato molto il libro di Gabriel Garcia Marquez da cui il film di Newell è tratto. Come tutti i libri di Marquez, L’amore ai tempi del colera è magico, caldo e passionale come solo il SudAmerica in cui è ambientato, sa essere.
Il film, però, pur restando molto fedele alla trama, perde molto del fascino creato da Marquez.
Il primo elemento su cui è carente è proprio il calore di Cartagena in cui la vicenda si svolge. Nonostante le splendide immagini,l’ambiente esterno non sembra influire in alcun modo sulla vicenda, sui personaggi e sul clima del film, che a ben vedere potrebbe essere ambientato ovunque. Questa lacuna influisce negativamente anche sulla caratterizzazione dei personaggi e sulla stessa vicenda d’amore che spesso, invece di commuovere ed emozionare, rischia di apparire quasi ridicola.
La tenacia di Florentino Ariza nell’aspettare l’amata Fermina Daza per cinquantun anni, nove mesi e quattro giorni, appare, più che amore, pazzia. Il conto delle sue donne, con cui soddisfa i suoi bisogni con affetto e sensibilità, si limita ad essere una sterile enumerazione che perde ogni senso.
Il personaggio di Firmina, interpretato da una splendida Giovanna Mezzogiorno, non viene approfondito nelle diverse sfaccettature risultando freddo ed incomprensibile nei suoi cambi di atteggiamento nei confronti di Florentino.
Il film risulta comunque essere piacevole e scorrevole e per chi non conosce il libro di Marquez un buon modo per avvicinarsi al romanzo e coglierne l'atmosfera. Purtroppo non è sempre semplice tradurre in immagini ciò che un grande della letteratura è in grado di creare con la sua penna.

Anno di pubblicazione:2007
Interpreti:

Javier Bardem

Giovanna Mezzogiorno

Benjamin Bratt

Ulteriori informazioni sul regista Mike Newell
Approfondimenti su Gabriel Garcia Marquez

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Guarda il video di Despedida di Shakira tratto dalla colonna sonora del film

IL DIVO - Paolo Sorrentino

2008-06-24T22:20:00.011+02:00

L'intento di questo film non è necessariamente quello di raccontare la storia di Giulio Andreotti, infatti Sorrentino non si sofferma troppo sugli intrighi, le supposizioni, i processi. Egli approfondisce due aspetti del personaggio, quello del “signor” Giulio Andreotti, visto dall'interno del suo nucleo familiare e di coloro che vi erano più vicini e quello del politico, inteso non tanto come persona in carne e ossa quanto come “istituzione” o addirittura “entità”, cioè il modo in cui veniva visto dall'intero popolo italiano.
Ne esce fuori un quadro grottesco, dove tutti ci fanno una pessima figura e pure pena. Ne esce male l'Italia e gli italiani, una masnada di ignoranti, facilmente influenzabili e ancor più pieni di paura, pronti a inginocchiarsi di fronte al potente o supposto tale o al contrario veementi nel loro rifiuto e pronti alla contestazione, anche se non si sapeva bene che cosa esattamente contestare e cosa proporre in alternativa. Rendendo così la vita facile a chi sapeva approfittare delle debolezze altrui o colpire nei punti più indifesi, che è la vera abilità di un bravo politico.
D'altro canto c'è l'esistenza di un uomo che, di conseguenza, si trova sempre più isolato, guarda dall'alto dalla cima di una montagna dove non c'è posto per nessun altro, amico e nemico di tutti, senza mai essere del tutto né l'uno né l'altro. Si dà atto della grande forza di questo personaggio, una forza che lo tiene in piedi nel mezzo di tremende burrasche, dove altri sarebbero caduti ma dove lui invece resta saldo. E ci riesce senza atti di eroismo né di forza bruta, ci riesce e basta, nessuno sa dire bene come. Da qui nasce l'aura di mistero, di timore reverenziale, quasi diabolica che lo circonda.
Stupefacente la tecnica con cui Sorrentino espone Il divo. In certi momenti sembra di assistere alla visione di un videoclip musicale, una sorta di “The Wall” nostrano. Certe sue trovate strappano l'applauso, ad esempio il modo in cui viene introdotto l'attentato a Falcone. Altre invece inducono al sorriso dolce amaro tipico della commedia all'italiana, come quando vengono presentati i componenti della cosiddetta “corrente” andreottiana.
Questo film non parla semplicemente della vita di un famoso personaggio, è la nostra storia che viene raccontata, del nostro paese, della nostra politica, di come l'abbiamo vissuta.

Anno di pubblicazione: 2008
Interpreti:

Toni Servillo

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BALLA COI LUPI - Kevin Kostner

2008-06-21T00:16:00.003+02:00

Non basta il giudizio della critica per consacrare un capolavoro. E` il pubblico che lo decreta. Se è vero infatti che un'opera deve essere riuscita sotto l'aspetto tecnico, deve però essere anche in grado di raggiungere lo spettatore al di là dei suoi sensi, deve sfiorarne i sentimenti e la coscienza.
Kevin Kostner c'è riuscito, facendolo tra l'altro con una certa ruvidezza. Non è mai facile fare autocritica, specialmente per chi appartiene a un popolo orgoglioso come quello americano. Chi ci riesce però dà prova di grande maturità e in questo, Kostner non delude. Un aspetto che si riflette anche sul suo lavoro, considerando che si tratta di un'opera prima dietro la cinepresa.
Tutta l'epica del Far West viene fuori a trombe spiegate: spazi immensi, il senso di libertà che quasi ti toglie il fiato, la lotta per la sopravvivenza, la conquista.
Ma soprattutto, ciò che emerge con dolorosa asprezza è la grande ingiustizia subita dal popolo dei Nativi. Come dicevamo è un tema difficile, che forse era stato già trattato in altre occasioni in altri film western del passato ma che forse non era stato mai portato all'attenzione di un pubblico così vasto. Questa è la principale forza di questo Balla coi lupi, cioè di essere riuscito a far vibrare le corde di così tanta gente. Ed è normale, dal momento che non si parla solo degli Indiani d'America ma di tutti coloro che, nella Storia, sono stati calpestati nel nome del progresso, del benessere, del profitto.
Il metodo utilizzato da Kevin Kostner per ottenere questo risultato è semplice quanto efficace: mettersi letteralmente nei panni dell'oppresso, dopo aver vissuto una vita in quelli dell'oppressore. Si tratta di modificare il proprio punto di vista, che non comporta necessariamente il proprio annientamento. Uscire dal proprio bozzolo richiede una grande dose di coraggio ma permette di osservare noi stessi dal di fuori, offrendoci un punto di vista eccezionale, quello di chi ci osserva. E' solo così che abbiamo la possibilità di valutare veramente i nostri pregi e difetti, un po' come se ci mettessimo davanti a uno specchio. Dopodiché nostra è la scelta di rifiutare noi stessi o accettarci così come siamo, prendendo atto dei nostri errori ma anche delle nostre virtù.
Balla coi lupi è il tentativo di Kevin Kostner di offrire un punto di vista diverso dal nostro, un'impresa non facile ma in questo caso perfettamente riuscita.

Anno di pubblicazione: 1990
Interpreti:

Kevin Kostner

Mary McDonnell

Graham Greene

Rodney Grant

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Ulteriori informazioni sul compositore John Barry

HERO - Yimou Zhang

2008-06-12T00:05:00.008+02:00

Se si vuole capire fino in fondo il significato della parola “epico”, ebbene guardando questo film si avrà soddisfazione. Lo stesso titolo non fa che evidenziarne la figura principale, cioè l’”eroe”. Intrigante il fatto di poter apprezzare il punto di visto di una cultura così diversa dalla nostra su un argomento tanto caro alla letteratura occidentale.
Anche qui, il perno intorno a cui tutto ruota è l’Uomo, visto come creatura in grado di elevarsi a un più alto grado di perfezione, attraverso lo studio, la meditazione, la contemplazione. Sono temi tipici della cultura orientale. Le arti marziali sono un mezzo per raggiungere tale obiettivo: esse non sono viste come semplice applicazione pratica di una tecnica atta a sconfiggere un nemico, lo dice la parola stessa, “arte”, non è la vittoria che si vuole conseguire bensì la perfezione del gesto. Poco importa se alla fine si vince o si perde, l’importante è come si è combattuto. Se si è raggiunta la perfezione o la si è quantomeno sfiorata, ebbene la morte non sarà dura da sopportare. Il guerriero, quindi, non teme di perdere la vita e allo stesso tempo mantiene tutta la lucidità necessaria a raggiungere il proprio scopo, appunto la Perfezione. Questo spiega anche il perché i combattimenti sembrano non finire mai: chi avrebbe interesse nel concludere anzitempo l’esecuzione di un’opera d’arte? Solo quando i guerrieri si riterranno sazi e soddisfatti ci si potrà fermare. Oppure quando uno dei due avrà sfiorato a tal punto la Perfezione da infliggere all’altro il colpo mortale.
In Hero si combatte molto e, come detto, le sequenze che descrivono la lotta non hanno tanto lo scopo di dare azione e movimento allo svolgimento della trama ma di illustrare, con incredibile efficacia, questa forma d’arte. Sotto la guida dell’eccellente regista Yimou Zhang, assistiamo a scambi di colpi così veloci che spesso si fa fatica a seguirli, gesti atletici mirabolanti ed estremizzati oltremisura, quanto mai esagerati ma che riescono convincenti.
Tuttavia quello del combattimento è solo uno dei tanti aspetti che caratterizzano questo film. C’è una ricerca del dettaglio, una raffinatezza nei costumi, nella scelta dei luoghi, delle musiche, la poesia permea il film costantemente. Il colore domina la scena, regalando alla narrazione una dimensione nuova, sorprendente. Persino lo svolgimento della trama coglie impreparati, con continui flashback che disorientano lo spettatore.
Hero è un film che colpisce, esprime una spettacolarità sconcertante, è come una secchiata d’acqua gelata, un gavettone ma alla fine si rimane così sorpresi da ridere della propria stessa sorpresa. I film in grado di ottenere una reazione simile sono davvero pochi e Hero ci riesce alla perfezione.

Anno di pubblicazione: 2002
Interpreti:

Jet Li

Tony Leung Chiu-Wai

Maggie Cheung

Zhang Ziyi

Donnie Yen

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BABEL - Alejandro Gonzàlez Iñàrritu

2008-06-04T20:15:00.005+02:00

La nostra natura di esseri umani ci impone una vita fatta di contrasti. Questa condizione è dovuta alle nostre azioni e all'ambiente in cui viviamo, in uno scambio reciproco di cause ed effetti.
Se l'ambiente è ostile, la nostra capacità di adattamento emerge, mette in risalto la nostra forza e la nostra resistenza. Questo ci permette di sopravvivere. Se l'ambiente al contrario è favorevole, vengono a galla le nostre debolezze, i nostri vizi e le nostre paure. Ma in un ambiente come questo, non ci limitiamo a sopravvivere: noi prosperiamo.
In entrambi i casi, una sola verità incombe sul nostro destino: la drammatica fragilità di cui siamo vittime. Siamo creature estremamente complesse e vulnerabili in pari misura. Siamo complessi perché capaci di gesti sorprendentemente nobili o tremendamente stupidi. Siamo fragili perché dotati di un corpo sofisticato ma privo di difese, che non ci permette di affrontare incolumi gli urti che la vita ci propone, sia fisici che mentali, se non a prezzo di grandi fatiche.
Ciò che Alejandro Gonzàlez vuole dirci è che il luogo del mondo in cui viviamo, questa Babel che è la nostra casa, può plasmare la nostra vita solo marginalmente. I principi su cui essa si basa rimangono inalterati. Siamo fragili, disperatamente fragili, sia che viviamo nell'arido e inospitale deserto marocchino, sia che ci troviamo in bilico fra la borghese agiatezza americana e la rurale ma genuina povertà del Messico, sia che sprofondiamo nel lusso principesco dell'ultra-tecnologica metropoli giapponese. Il filo conduttore, anche fra realtà apparentemente così distanti fra loro, è sempre lo stesso. Ovunque siamo, dovunque andiamo, restiamo sempre e soltanto essere umani e il nostro destino non può essere altro che resistere alle avversità della vita.
E' una lotta sfiancante, la nostra, in grado di prostrare il più forte, il più determinato. Nelle vicende di Babel però c'è una speranza. L'unico modo per affrontare un così duro destino è quello di abbandonarsi all'amore del proprio compagno o della propria compagna, all'affetto dei propri congiunti, alla sincerità di un amico. Sono sentimenti forti questi, più forti di qualunque avversità, così forti da non avere confini, in grado di raggiungerci in qualunque luogo della nostra Babele noi viviamo.

Anno di pubblicazione: 2006
Interpreti:

Brad Pitt

Cate Blanchett

Gael Garcìa Bernal

Kôji Yakusho

Adriana Barraza

Rinko Kikuchi

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INDIANA JONES E IL REGNO DEL TESCHIO DI CRISTALLO - Steven Spielberg

2008-06-04T00:00:00.007+02:00

Chiariamo subito un fatto: questo film è riservato ai fan di Indy. Chi non è appassionato del personaggio o vuole avvicinarsi per la prima volta, probabilmente subirà una delusione. Per tutti gli altri sarà come ritrovare un vecchio amico dopo lunghi anni di separazione. E la riunione risulterà piacevole e tutto sommato soddisfacente.
Diciamoci la verità, nessuno di noi appassionati va al cinema convinto di vedere un nuovo episodio del nostro eroe come se nulla nel frattempo fosse accaduto. Sono passati praticamente vent'anni dall'ultimo film della vecchia trilogia ed è logico supporre che l'inossidabile Harrison Ford non abbia più la stessa verve dell'epoca. In tutta franchezza, sarebbe persino irritante vedere un uomo di mezz'età mettersi a “fare il ragazzino” per accontentare il pubblico. Significherebbe trasformarsi in un semplice fenomeno da baraccone, la parodia di se stessi. Un attore con la “A” maiuscola come Ford non può permettersi un simile passo falso e un regista del calibro di Spielberg non commetterebbe mai un errore del genere.
Ciò che accade è che, proprio quelli che sembrerebbero i punti deboli della struttura che si intende mettere in piedi, ne diventano i punti di forza. L'interprete è invecchiato e il personaggio è invecchiato con lui. Avrà perso in agilità ma ha senza dubbio guadagnato in esperienza, saggezza, furbizia. E queste sono le nuove armi vincenti di cui Indiana Jones si servirà per conquistare ancora una volta i suoi ammiratori.
Anche se a dire il vero, di azione ce n'è a sufficienza e l'archeologo con la frusta e il cappello non si tira certo indietro anche quando c'è da fare a cazzotti, fermare un camion in corsa o scalare ripidi pendii. Insomma, Indy non sembra poi così vecchio come dice di essere lui stesso, ha ancora qualcosa da dire e soprattutto da insegnare al giovane Mutt, suo fresco discepolo.
In realtà, fila tutto a meraviglia, a parte la storia, senza dubbio quella con la trama più povera dei quattro episodi. Lo spunto potrebbe anche essere interessante, lo sviluppo appare però un po' troppo incentrato sull'azione e troppo poco sul mistero e l'intrigo. Il mistero c'è, è logico ma appare privo del fascino di cui era dotato in passato, si danno troppe cose per scontate e manca qualche spiegazione in più.
In definitiva, ne Il regno del teschio di cristallo, colui dal quale ci si poteva aspettare qualche segno di cedimento ha invece passato la prova a pieni voti (ma dopotutto, signori, fan o non fan, stiamo parlando di uno dei più quotati attori di Hollywood), mentre invece la delusione arriva proprio dal reparto dal quale tutto sommato ci si aspettava una conferma e cioè la storia. Si ha la spiacevole sensazione che Spielberg e Lucas si siano un po' adagiati sul fatto di fare contenti tutti con il solo ritorno di Indiana, senza preoccuparsi troppo del mondo in cui egli vive. Come se avessero dimenticato che il professore piace non solo perché è lui, ma perché è lui in quel preciso contesto.
Comunque, al di là delle critiche e degli apprezzamenti, si torna a casa con il sorriso ed è quanto ci si aspetta da un film come questo.

Anno di pubblicazione: 2008
Interpreti:

Harrison Ford

Cate Blanchett

Karen Allen

Ray Winstone

John Hurt

Jim Broadbent

Shia LaBeouf

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BLOOD DIAMOND - Edward Zwick

2008-06-01T19:29:00.012+02:00

Una grande ingiustizia, qualcuno che la commette, qualcuno che la subisce, qualcuno che intende renderla nota e qualcuno che la combatte.
Queste in sintesi sono le figure che animano la storia di Blood diamond. Che non sarebbe niente di originale se non fosse ispirata a una storia vera e non fosse così ben raccontata.
L'ambiente è l'Africa, ancora una volta vittima dell'ennesimo furto, un continente talmente ricco di risorse da renderlo il più potente al mondo ma talmente incapace di difendersi che finisce col subire costantemente la prepotenza di chi è più forte.
L'Africa è ben rappresentata da Solomon, un gigante nero dal cuore grande così, padre di famiglia che vive del proprio lavoro, la pesca e che, sapendo cosa serve per migliorare le proprie condizioni di vita, si adopera affinché la propria prole possa godere di un'istruzione degna di tal nome.
Questa famigliola rappresenta l'Africa, cioè delle persone povere di denaro ma ricche di iniziativa, di voglia di fare, di desiderio di migliorarsi. Ambizioni destinate puntualmente ad essere frustrate dal dominatore straniero che stronca sul nascere simili velleità, pericolose per il mantenimento del proprio potere.
Lo straniero, ben conscio di questo, sa bene che l'istruzione è la prima nemica da battere per mantenere il proprio dominio. Quindi non resta che adottare la soluzione definitiva: strappare i ragazzini dalla loro infanzia, dando loro in mano non libri ma fucili, con i quali indottrinarli, renderli fanatici e di conseguenza docili schiavi ai propri ordini.
Essi potranno così essere utilizzati come manodopera armata, cani da guardia dei loro padroni/aguzzini. L'Africa diventa così facile preda, le sue risorse a disposizione. In questo caso si tratta di diamanti, pietre perfette da smerciare nell'ipocrita Occidente.
La storia inizia da qui e, seppure romanzata, è terribilmente realistica e invita una volta di più a riflettere. Non tanto su quanto siamo brutti e cattivi noi bianchi imperialisti, quanto sull'incredibile ignoranza nella quale più o meno consciamente viviamo.
Ciò che davvero emerge da Blood diamond è la nostra disperata ricerca del paradiso, l'illusione di vivere in un mondo perfetto. Ci dimentichiamo che non può essere così, l'ordine cosmico in cui viviamo non lo permette: perché noi si possa stare bene, qualcun altro è costretto a vivere peggio, sacrificato al nostro benessere.
L'unica soluzione per redimerci è aprire gli occhi e guardare ciò che abbiamo intorno al fine di apprezzarne la bellezza autentica. L'Africa è il posto migliore per farlo.
Blood diamond è un film costruito per indurre a riflettere e si vede che è fatto con passione, a cominciare dagli interpreti, dove, fra tutti, spicca un DiCaprio superbo, ormai costante conferma del cinema hollywoodiano.
Questo è un film da guardare. Ma solo una volta perché non è facile osservare troppo a lungo la propria brutta immagine allo specchio.

Anno di pubblicazione: 2006
Interpreti:

Leonardo DiCaprio

Jennifer Connelly

Djimon Hounsou

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Ulteriori informazioni su target="_blank"Edward Zwick
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NOTORIOUS, L'amante perduta - Alfred Hitchcock

2008-05-29T23:10:00.009+02:00

Notorious ci mostra uno dei temi classici del cinema: la lotta tra amore e dovere. Inizialmente a prevalere è l'amore dando al film un tocco da commedia romantica, il cui momento più alto ed eclatante è la famosa scena del bacio tra Ingrid Bergman e Cary Grant, scena entrata nella storia del cinema come il bacio più lungo mai apparso sugli schermi. La spy story in questa fase si staglia sullo sfondo, quasi accessoria allo svolgersi della trama, ma Hitchcock riesce sempre con poche riprese a ricordare allo spettatore che l'idillio non durerà per sempre, lasciando comunque un vago senso di tensione.
Irrompe poi il dovere, rappresentato dalla missione che Devlin (Cary Grant) chiede ad Alicia (Ingrid Bergman) di compiere e che quest'ultima, per spirito di sacrificio e di lealtà nei confronti del suo uomo, decide di portare a termine. E qui l'amore cede il passo all'intrigo e alla suspence creta con grandi tocchi di maestria dal regista attraverso pochissimi elementi.
L'amore ritornerà poi al termine per trionfare in un finale di film quasi fiabesco dove la ragazza in pericolo viene salvata dal suo uomo.
Notorious L'amante perduta , girato nel 1946, grazie alla capacità di Hitchcock di raccontare attraverso la telecamera, alla bravura degli attori e alla splendida sceneggiatura di Hetch, riesce ancora oggi a coinvolgere e ad affascinare lo spettatore moderno.

Anno di pubblicazione: 1946
Interpreti:

Ingrid Bergman

Cary Grant

Claude Rains

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DIARIO DI UNA TATA - Shari Springer Berman/Robert Pulcini

2008-05-19T00:02:00.012+02:00

Questo film, in apparenza leggero e divertente, mette in evidenza un lato triste dei nostri tempi, sul quale è necessaria una riflessione collettiva. Se è infatti vero che la società in cui viviamo ci dà la possibilità di realizzarci da un punto di vista lavorativo ed economico, dall'altro ci allontana progressivamente da coloro che ci stanno intorno, primi fra tutti i membri della propria famiglia. Siamo troppo presi dal desiderio di raggiungere i nostri scopi, per dedicare parte del nostro tempo a chi ne avrebbe bisogno, più che mai un figlio, relegato sempre più spesso a un semplice accessorio di una vita che ha bisogno di un certo numero di requisiti per definirsi “soddisfacente”.
Il paradosso si raggiunge quando finiamo col diventare vittime di noi stessi, travolti dal vortice delle nostre stesse attività, dalle quali non riusciamo più a staccarci e che ci impediscono di dedicare del tempo non solo a chi ci sta intorno ma anche a noi medesimi. La ricerca della felicità ci spinge così lontano e assorbe così tante energie da non accorgerci nemmeno di vederla quando la incontriamo, magari negli occhi di un bimbo.
La cosiddetta “tata” subentra quando il bambino diventa solo un fardello, un ostacolo che si frappone fra noi e i nostri obiettivi. La tata è colei alla quale scaricare letteralmente il pacco, la stessa che finirà col vedere crescere un bimbo che non è suo ma alla quale inevitabilmente finirà con l'affezionarcisi, dal momento che sarà il bambino stesso a vederla come una madre sostitutiva e non come una semplice supplente. La figura della madre vera e propria tende a svanire, a perdere importanza, una mancanza che avrà inevitabili riflessi negativi sullo sviluppo del piccolo, insomma, un dramma a lungo termine.
Questo film viene categorizzato come commedia, ma in realtà c'è poco da ridere.

Anno di pubblicazione: 2007
Interpreti:

Scarlett Johansson

Laura Linney

Paul Giamatti

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